Arts and Craft

Charles Robert Ashbee

Charles Robert Ashbee nació en Londres, hijo de un comerciante de la ciudad próspera.Educado en Wellington College y el Kings College, Cambridge, trabajaba en la oficina de Bodley Ashbee vivió en Toynbee Hall, la solución pionera en la Universidad de Whitechapel donde inició clases de arte y artesanía que se convierten en el núcleo de la Escuela de Artesanías (1887) y el Gremio de Artesanía (1888). El Gremio está principalmente conocida por la orfebrería y joyería diseñada por el mismo Ashbee, y los muebles hechos por el Gran Duque de Hesse, en colaboración con el diseñador MH Baillie Scott, en los talleres de Essex House en el Mile End Road.

En 1902 Ashbee emprendió su gran experimento y se retira todo el gremio de Chipping Campden en los Cotswolds. Durante un tiempo los asuntos del gremio prosperaron, pero a partir de 1905, los ingresos procedentes de la artesanía se cayó estrepitosamente y en 1907 la empresa se vio obligada a la liquidación voluntaria.Él diseñó dos grupos de casas en Cheyne Walk, Chelsea y una serie de sentadilla, casas cuadradas en el país, algunos de los cuales fue en un libro de Casas rurales y pequeñas casas .

Escritorio de Charles Robert Ashbee

Charles Rohlfs Workshop

Diseñador americano del movimiento artístico “arts and crafts”, sus obras se caracterizan principalmente por las influencias orientales, medievales y de otras culturas, es curioso que se dedicara al diseño y a la creación de muebles por exigencias de su suegro, al casarse con la autora Ana Katharine se vio obligado a abandonar su carrera teatral. En 1898 abrió su taller y en 1900 durante una exposición de los grandes almacenes del Mariscal Field se le reconoció profesionalmente, su gran éxito aconteció en 1902 en la exposición de Turín al ser reconocido como miembro de la” Real Sociedad de las Artes” de Londres y comisionado para diseñar y producir muebles para el palacio de Buckingham

Buró de Roble

ART NOUVEAU

Henry Van De Velde

Henry Van De Velde nació en Amberes, Bélgica en 1863. Hijo de un químico rico, é estudió inicialmente pintura. Influenciado por su admiración por Rusking, Morris y Voysey, volvió a dirigir sus esfuerzos como diseñador.
En 1901 invitaron Van de Velde a Weimar como consultor de las industrias de la artesanía del ducado magnífico de Saxe-Weimar. Cinco años más tarde fue director y diseñador de la escuela ducal magnífica nueva de artes y los artes que él basó en la escuela de Glasgow de Mackintosh del arte.

Silla de Henry Van De Velde

Hector Guimard

Arquitecto, decorador y diseñador de muebles francés nacido el 10 de marzo de 1867 en Lyon y a quien se deben edificaciones muy notables en París, entre las que destacan el Castel Béranger de la calle de La Fontaine, y la Sinagoga de la calle Paveé.

También es autor de un albúm de muebles y ornamentación, pero sin duda la obra que lo hizo pasar a la posteridad es su trabajo de las puertas de acceso al metro de parisino, la cuales al término del siglo XX todavía se conservaban en algunas estaciones. Es considerado uno de los mejores exponentes del Art Noveau, muy en boga hacia 1900. Por la última obra mencionada recibió el reconocimiento mundial a su trabajo. Murió el 20 de mayo de 1942 en Nueva York.

Mueble de Hector Guimard

ARTE MODERNO

Pierre Chareau

Pierre Chareau nace en Burdeos en 18883 e inicia sus estudios en la "Escuela de Bellas Artes de Paris", trabaja durante un tiempo en una delegación parisina de una empresa de muebles inglesa. Es en 1918 cuando empieza su carrera como arquitecto y diseñador de muebles.
En 1919 expone en el Salón de Otoño de Paris, obtiene gran exito y capta la atención del publico, diseña los muebles para la vivienda del Dr. Dalsare y su esposa.
Mas tarde le encargan "la maison de Verre" (1928-1932).

Forma parte activa en la fundación de la Unión de artistas modernos (19299,en 1940 se marcha a Estados Unidos y realiza su obra más representativa la casa del pintor Robert Matherwell, en East Hampton (Nueva York).

Mesa de Pierre Chareau

Ludwig Mies van der Rohe

Arquitecto y diseñador alemán, nacionalizado estadounidense en 1944. Entre 1905 y 1907 trabajo en Berlin, disñando mueble en el estudio de Bruno Paul, y de 1908 a 1911, en el de Behrens, donde conocío a W.Gropius y a Le Corbusier y se inicion en la obra de K.F.Schinkel.
Su primer trabajo fue diseñar adornos de yeso para una empresa de decoración de interiores.
Tras la primera guerra mundial, se adhirio con entusiasmo al Expresionismo y diseñó sus revolucionarios rascacielos de cristal. Su verdadera grandeza se reveló en el Pavellón Alemán de La Exposición de Barcelona de 1929, diseñando el mobiliario siendo famoso el sillón Barcelona, vendiendose en la actualidad con bastante éxito.
De 1930 a 1932 fue director de la Bauhaus y en 1938 se trasladó a Chicago. Al año siguiente diseñó el campus del Instituto de Tecnologia.A través de sus multiples obras , Mies van de rohe se reveló como un firme defensor de la autonomia de la disciplina apoyado en el empleo de nuevos materiales.

Silla de Ludwig Mies van der Rohe

imagen

ARTE DECO

Jules Leleu

Escultor y diseñador francés, tras su primera exposición en 1922 Leleu ya tenía una carrera prometedora y era considerado uno de los diseñadores de mas talento del art-deco. Diseño muebles y estancias complementando así sus ideas decorativas, embajadas, residencias privadas e interiores marinos fueron sus mejores obras.

Empleaba las mejores maderas, detalles lujosos y materiales como el marfil, madre-perla; plata o bronce para destacar ángulos o diseños curvos, tapicerías de Aubosson para los asientos. Sus hijos André u Paule siguieron su trabajo y su maestría en la producción mobiliar.

Taburete Jules Leleu

Bruno Mathsson

El diseñador sueco Bruno Mathsson nació en Varnamo, Suecia en 1907. Su padre, Karl Mathsson fue la quinta generación de una familia de carpinteros maestros. Era natural que Bruno debia seguir los pasos de su padre y desde muy temprana edad se le enseñó las habilidades necesarias adquirir un conocimiento muy desarrollado sobre las características de la madera, así como un conocimiento técnico sólido.

Para Bruno Mathsson esto simplemente no era suficiente. Desde muy joven, estaba fascinado por el reto de diseñar mobiliario funcional combinado con una alta calidad técnica y eran las ideas del movimiento funcionalista en las que se inspiró.

En 1929, llegó la oportunidad de sacar libros y revistas de Artes y Oficios de Röhsska Museo de Gotemburgo; el museo y su curador Gustavo Munthe se convirtieron en un contacto que iba a tener una influencia en la carrera de Bruno Mathsson . Pronto grandes cajas llenas de libros fueron enviados por tren entre Gotemburgo y Värnamo y Bruno Mathsson se educó a sí mismo a través de un estudio detallado de los libros.

Silla Bruno Mathsson

1-ARTS AND CRAFTS
2-ART NOUVEAU
3-MODERNISMO
4-ART DECO

EL MOVIMIENTO ARTS AND CRAFTS

Arts and crafts (artes y oficios) es un movimiento social y estético surgido en Inglaterra a finales del siglo XIX, que pretendía rescatar la importancia de lo artesanal frente a la creciente mecanización y la producción en serie. Su denominación procede de la “Arts and Crafts Exhibition Society” fundada en 1888, pero el movimiento artístico tuvo sus bases en las ideas de John Ruskin (1819-1900).

El critico de arte más influyente de su época, Ruskin pertenecía a la corriente romántica en su concepción de artista como profeta y maestro inspirado. Abogaba por un renacimiento del gótico y se puso en contra de los efectos de la revolución industrial. Influenciado por el arte gótico, publico una enorme cantidad de libros sobre literatura, pintura, arquitectura, escultura, estética y otros muchos sobre temas sociales. Sus ideas se popularizaron a través de sus libros e influyeron en el movimiento modernista naciente llamado Arts and Crafts, que empezaba a caracterizarse por un retorno a la naturaleza, formas graciosas, onduladas, delicadas, donde frecuentemente se ven reflejadas las formas de la naturaleza en flores, insectos, aves, peces e incluso en animales mitológicos como los dragones.

El estilo arts and crafts deploraba la estética de la industrialización, así como sus efectos sociales. Revindicaba nostálgicamente los modelos de artesonado de los gremios medievales, el encargado de llevar sus ideas a la práctica y al que siguieron infinidad de artistas y diseñadores, fue el metódico y genial William Morris (1834-1896). Escritor, pintor, diseñador, artesano y reformador social ingles. Morris emprendió la tarea de recrear una industrial manual en la era de la maquina, produciendo su empresa “Morris and Company” telas, tapices, papeles pintados y muebles.

WILLIAM MORRIS 1834-1896

SILLAS DISEÑADAS POR "MORRIS AND COMPANY"

TAPIZ DISEÑADO POR "MORRIS AND COMPANY" SE APRECIA LOS MOTIVOS FLORALES Y NATURISTAS TAN CARACTERISTICOS DEL "ARTS AND CRAFTS"

“Ajustarse a la finalidad” resume uno de los principios del movimiento, significa que el diseño de un mueble debe adecuarse a su función y ser práctico. Los materiales y el método deben ser los más apropiados y reflejar el sello del diseñador. William Morris, en su libro ‘The Beauty of life’ (1880) comenta: “no tengáis nada en vuestras casas que no sean útiles o bellas”, una frase que resume el ideal de un movimiento que apoyaba todas sus creaciones en cuatro máximas: simplicidad, esplendor, naturaleza y color-textura.

Uno de los exponentes del movimiento fue MACKAY HUGH BAILLIE SCOTT la carrera de Mackay empezó en la universidad agrícola de Cirencester, pronto decidió abandonar la tradición familiar de agricultores-ganaderos y eligió en su lugar estudiar arquitectura.
Asumió pronto las directrices del movimiento “arts and Grafo” e influyeron en sus comienzos las ideas de William Morris y Ruskin. Después forjo su propio estilo distintivo, sobre todo a raíz de su matrimonio con Florenze, su diseño es una reacción a los cambios rápidos del momento, a la producción en masa y a la industria. Se inspiro del arte gótico y de la artesanía

MACKAY HUGH BAILLIE SCOTT (1865-1945)

Baillie scout describió a su clientela como “gente con sensibilidad artística pero de renta modesta” con esta idea inventó un nuevo tipo de vivienda espaciosa y armoniosa. Su interés por el diseño condujo a Baillie a producir muebles, telas,..e incluso los pianos para que armonizaran con el interior.
Tuvo enorme éxito en Europa y durante su carrera le comisionaron para diseñar edificios, incluyendo la decoración del palacio de Hesse en Damstad, Acabo su carrera diseñando casas modestas en los suburbios britanicos.

Otro de los diseñadores representativos del movimiento arts and crafts fue PHILIP WEBB (1831-1915), arquitecto britanico, fue uno de los principales exponentes del movimiento "domestic revival". En su produccion destacaron la construccion de casas de campo en particular la "Red House" en Uptón (Kent) para W.Morris, que pone de manifiesto su adhesion a las teorias del Movimiento Arts and Grafts. Con William Morris fundó la sociedada para la protección de edificios antiguos (SPAB),diseño para Mprris tanto muebles como accesorios y todos los complementos de arquitectura.

Cabinet diseñado por Philip Webb en 1861 para la compañia "Morris, Marshall, Faulkner & Co., Maker"

Las formas de los muebles eran sencillas y verticales y hechas aplicando técnicas de ebanistería tradicional. Se utilizaban maderas nacionales, especialmente roble, que era encerado y se dejaba añejar naturalmente. Aparadores, cómodas y muebles similares eran decorados habitualmente de un modo sencillo, con formas recortadas, a veces embellecidas con peltre, cobre, marfil o cuero.

Los bancos largos con respaldo alto y brazos eran el estilo de asiento preferido, al igual que las sillas rectas con altos respaldos y decorados con motivos recortados.

En el movimiento Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos éticos y políticos, tanto como estéticos. Destaco algunas de sus ideas:

· Rechazo de la separación entre arte y artesanía.
· Rechazo de los métodos industriales de trabajo.
· Propuesta de un regreso al medievo, en todas las artes aplicadas.
· La arquitectura como centro de todas las actividades del diseño.
· Agrupación de artesanos en gremios y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.
· Trabajo bien hecho, bien acabado y satisfacción tanto para el artista como para el cliente.
· El artesano es artista y un creador de obras de arte.

ART NOUVEAU

MODERNISMO

El mobiliario modernista. El modernismo fue una corriente artística que se desarrolló a finales del siglo XIX, se entendió como un símbolo a la libertad, fue un movimiento renovador que se expandió a todos los campos artísticos: arquitectura, escultura, pintura… recibió diversas denominaciones en otros países: Art Noveau, Jugendstil, Sezessionisme, Liberty, Modern Style.

Mobiliario Modernista

En España el modernismo tuvo su sede principal en Barcelona y destacó sobre todo en arquitectura que es la representación más llamativa y espectacular del modernismo , la diversidad de formas , de conceptos, materiales en que fueron concebidos esos edificios son un ejemplo de la libertad creativa, ruptura de formas , uno de los iconos del modernismo fue la arquitectura de Gaudí marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la búsqueda de nuevas soluciones estructurales, mediante el estudio y la práctica de nuevas y originales soluciones, la obra de Gaudí culminará en un estilo orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada por estilos anteriores, generando una obra arquitectónica que es una simbiosis perfecta de la tradición y la innovación.

Mobiliario Modernista: Características

Las principales características del estilo modernista que se pueden aplicar a los muebles son: inspiración en la naturaleza y utilización de motivos vegetales en la decoración, uso de la línea curva y de la asimetría, uso de imágenes femeninas sobre todo en carteles, pintura, uso de motivos exóticos.. . El diseño de muebles se basó en diferentes formas y materiales de gran calidad como maderas nobles y textiles con dibujos que frecuentemente adoptaban la forma del “coup de fouet” tan propio del modernismo, así como diseños inspirados en la naturaleza.

El mobiliario modernista fue diseñado por auténticos genios, artistas innovadores y vanguardistas, se emplearon maderas exóticas que no se habían utilizado mucho en Europa, como un reto a los diseños clásicos, muchos arquitectos diseñaron muebles para ocupar lugares privilegiados en edificios modernistas, los mejores ebanistas crearon auténticas joyas combinando tipos de maderas con bronces, cerámicas, nácar. También se empleó la técnica del pirograbado que enriquecía aún más los muebles.

Mobiliario Modernista: diseñadores

Destacar los maravillosos muebles diseñados por Gaudí para el que mueble es una auténtica pieza de arte y tiene personalidad propia, las características de cada uno se combinan y se integran en el conjunto del mobiliario y del espacio donde van destinados.

Piezas como la silla del comedor de la casa Batlló diseñada en 1907, es un asiento individual basado en la sencillez, elude las líneas rectas o el banco de la casa Batlló, o el sillón de la casa Calvet en el que el asiento, de planta circular, está formado por cinco piezas, encajadas mediante sin más ayuda que la de la precisión se une al respaldo mediante un cuello grueso, del que también salen los brazos, que acaban en forma de mano arqueada y con el respaldo en forma de corazón. Destacar otros diseñadores de mobiliario modernista como fueron Josep Maria Jujol, Domènech i Montane Joan Busquets i Jané, Gaspar Homar y Francesc Vidal i Jevellí

ART DECO

El clasicismo art decó es un historicismo que reinterpreta el diseño neoclásico de la fase napoleónica (1800-1825); es decir, rara vez retoma el Luis XVI o el estilo Adam. Esta influencia se manifiesta con meridiana claridad en todas las disciplinas del diseño, pero quizás más que en ninguna otras, en el mueble y la decoración.

El motivo ornamental más empleado es el de las rectas en paralelo, inspiradas en las estrías y los triglifos del dórico. Sin embargo, el interiorismo no recupera columnas y entablamentos sino que los introduce subrepticiamente por medio de cortinas plisadas o marcos acanalados como quintaesenciando la imagen del clasicismo, pues evita la reproducción literal de sus elementos.
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Ruhlmann El más distinguido de los decoradores neoclásicos art decó fue Émille-Jacques Ruhlmann, cuyo Palacio del Coleccionista de Arte para la Exposición Internacional del Artes Decorativas de París de 1925 obtuvo el favor entusiasta de la crítica internacional. Ruhlmann recupera el mobiliario neoclásico de época napoleónica y lo traduce al gusto moderno con volúmenes rotundos y contraste de materiales ostentosos. Ofrecía una especie de Alta Ebanistería, paralela a la Alta Costura, pues en cada pieza se trabajaba de dos a cinco meses.
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IMÁGENES

3. Proyecto de Ruhlmann.

1 y 2. Ruhlmann, Palacio del Coleccionista de Arte, 1925. Las cortinas aportan la imagen de las estrías. Los muebles de Ruhlman son compactos y de aspecto tan pesado que resulta irónico y sorprendente verlos flotar sobre delgadísimas patas en forma de tacón o de punta de lanza. La decoración figurativa del tapiz muestra un naturalismo geometrizado, levemente cubista.
3. Proyecto decorativo de Ruhlmann. De nuevo las cortinas simulan pilastras (esta vez la ilusión resulta más convincente porque los amarres superiores, dorados, recuerdan al capitel jónico), pero el único elemento clásico repetido en su forma literal son los estípites de la chimenea. La habitación se corona con una cúpula muy rebajada.
4. Comedor diseñado por Jules Leleu en la misma exposición. Espacio con ábside y tríada de arcos. Sobre la alfombra, decorada con una greca de esvásticas, la mesa reproduce la forma de los sarcófagos y las sillas son igualmente neoclásicas en estructura y copete levemente vuelto, aunque más confortables que las antiguas.
5 y 6. Cuarto de baño de la modista Madame Lanvin, diseño de Armand-Albert Rateau, 1922, hoy en el Museo de Artes Devorativas (París, Louvre).
7. Vestíbulo del edificio Chrysler, 1928, diseño de William van Allen, Nueva York. Las acanaluras de los pilares se aprovechan para incorporar luz indirecta.
8. Vestíbulo del edificio Empire State, 1931, diseño de Shrevem Lamb & Harmon, Nueva York. Concebido como un templo de mármol, el suelo genera una partición basilical que el espacio niega; al fondo, una imagen aureolada del edificio se alza e impone sobre el visitante como si fuera un crucificado sobre un altar.

1. Palacio del Coleccionista de Arte.

2. Palacio del Coleccionista de Arte.

4. Comedor de Jules Leleu.

5. Cuarto de baño de Lanvin.

6. Cuarto de baño de Lanvin.

7. Chrysler, Nueva York.

8. Empire State, Nueva York.

9 a 12. Muebles de Ruhlmann. En mesas y cómodas las patas son de tacón agudo y se enjarjan tangentes al cuerpo principal para incrementar el efecto de ligereza. Más que en la decoración aplicada (marquetería, algunos detalles dorados), el atractivo se delega en la novedad de las vetas.
13. Silla diseñada por Eilel Saarinem, interpretación cálida aunque austera de la silla neoclásica. 14. Cómoda muy fantasiosa, cercana al surrealismo, diseñada por Eugène Printz y lacada por Jean Dunand.

9. Ruhlmann: sillones.

15. Cómoda diseñada por Paul Iribe en 1913 y de aspecto rococó muy amortiguado. Forrada de piel, algunos de los botones son aplicaciones decorativas, mientras otros ejercen de tiradores para los cajones.
16. Cómoda diseñada por Marcel Coard, revestida con piel de tiburón (galuchet).
17. Cómoda diseñada por John Goulden y lacada por Jean Dunand, 1922.
18 y 19. Cómodas de producción inglesa, estilo siempre más austero que el francés y del que se derivan la mayoría de los muebles clásicos de las tiendas de muebles económicos. La fig 18 muestra un diseño de Judith Ledeboer y David Booth, hacia 1950; la 19, del veterano Gordon Russell, hacia 1964.

10. Ruhlmann: cómodas.

20. Silla M31 de Hans Wegner, hacia 1950. Otro diseñador danés elegantísimo, Wegner, nos ha legado muebles de asiento que reinterpretan el clasicismo empujándolo con gestos mínimos pero muy expresivos hacia el orgánico.